Museu Thyssen | Madrid


La Fundación Colección Thyssen-Bornemisza


O Museu Thyssen-Bornemisza oferece o passeio público da arte a partir do décimo terceiro ao final do século XX. Nas quase mil obras em exposição, os visitantes podem ver os principais períodos e escolas de pintura na arte ocidental como o Renascimento, Maneirismo, Barroco, Rococó, Romantismo e da arte dos séculos XIX e XX até a Pop Art ele também inclui alguns movimentos não possuem representação em colecções públicas, como o impressionismo, o fauvismo, o expressionismo alemão e da vanguarda experimental do século XX. Também inclui a importante colecção de pintura do século XIX americano, no único museu europeu.

Além disso, além de seu carácter cénico, a colecção abriga o Museo Thyssen-Bornemisza-nos para os gostos e preferências de seus dois principais arquitectos, os barões Heinrich Thyssen-Bornemisza (1875-1947) e Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza (1921-2002). Formado na tradição europeia Central artística, tanto prestou atenção especial ao género do retrato e da paisagem. Isto é evidente nas obras da Thyssen-Bornemisza, diferente também nesse sentido de imagens religiosas e história prevalentes em outros museus espanhóis. Desde 2004, o Museu também é parte da Carmen Thyssen-Bornemisza Museu com mais de duas centenas de obras que deverão complementar os tipos e estilos que já estão presentes na colecção permanente.




Informações sobre preços: 
9,00 €

Morada – Museo Thyssen-Bornemisza    Palácio de Villahermosa, Paseo del Prado     8   Madrid, 28014 Espanha      902 760 511



 
Rembrandt é considerado um dos grandes génios da história da pintura, e um escritor magnífico, prolífica e excelente. O uso do claro-escuro, com fortes contrastes entre luz e sombra, e um drama profundo e intenso são as notas distintivas de sua pintura. Estas características são particularmente visíveis nos seus retratos, que reflectem com precisão a situação pessoal, sentimentos e estados de espírito que o artista passou em toda a sua vida e que são como um espelho da sua alma. Este trabalho tem sido objecto de detalhados estudos científicos que confirmaram, além de qualquer dúvida, que este é um trabalho de eleição e um dos melhores retratos do pintor.


Hans holbein, el Jovem
Retrato de Enrique VIII de Inglaterra
c. 1537. Óleo sobre tabla. 28 X 20 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

O retrato foi o género mais popular na Inglaterra nesta época. Este retrato do monarca Inglês é um maravilhoso exemplo do estilo de Holbein, que se caracteriza pela monumentalidade que ás suas figuras e a profundidade psicológica que infunde nos seus modelos. O pintor retrata os personagens com elevação, graças a recursos como a forma e a posição das mãos, a linearidade e o frontal, que neste caso reflectem a personalidade de Henry VIII real.


Domenico Ghirlandaio
Retrato de Giovanna Tornabuoni
1489-1490 - 77 X 49 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Este trabalho excepcional é um esplêndido exemplo do retrato em Quattrocento Florença. Os pintores, seguindo os modelos da antiguidade clássica, as proporções idealizadas criado corpos e rostos em branco, que por sua vez, devem reflectir os traços de personalidade do indivíduo. O modelo, de perfil estrito e busto, é retratado com os braços e as mãos descansando juntos. No fundo, num quadro simples de arquitectura, há alguns itens pessoais. À direita, uma cartellino com um fragmento de um epigrama de Marcial está inscrito em algarismos romanos a data da sua morte. O modelo foi identificado como Giovanna Tornabuoni de uma medalha com sua imagem e nome, a obra do escritor Niccolò Fiorentino. Ghirlandaio também representou todo o seu corpo no frio da Visitação da Capela Tornabuoni da Basílica de Santa Maria Novella (Florença).


Paul Cézanne
Retrato de um camponês
1905-1906 - 64,8 x 54,6 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Esta pintura pertence a um conjunto de retratos ao ar livre pintados por Cézanne em Aix-en-Provence, no final de sua vida. Seu jardineiro Vallier coloca na frente da grade do terraço de sua nova loja, localizada ao lado dos Lauves. Apesar do traje simples dos camponeses da Provence azul, o modelo assume proporções monumentais e ocupa grande parte do quadro. A verticalidade da figura contrasta com o ocre parapeito forte horizontal, e pinceladas geométricas e transparente, aplicada com óleo muito diluídas, decompor a imagem em planos de cores pequenas. O sereno arranjo anos antes formal começa a se desintegrar e Cézanne, liderado por sua intenção de representar a estrutura interna das coisas, forma e cor torna inseparável.



Marc Chagall
La casa gris - 1917
Óleo sobre linho. 68 x 74 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
A casa cinzenta é parte de uma série de pinturas que Chagall feitas de Vitebsk, sua cidade natal, após o início da Primeira Guerra Mundial. A vista da cidade velha, histórica, que se reconhece, entre outras coisas, a torre da Catedral da Assunção, é dominada principalmente por alguns edifícios característicos de madeira nas encostas do rio. Em Chagall, a aprendizagem combina o cubismo fruto de seus anos em Paris, em diferentes níveis e mudanças de perspectiva, com elementos de fantasia como a estatueta do lado esquerdo que poderia ser uma representação do céu. Esses elementos em conjunto transmitem a percepção dominante cinzenta "triste e lamentável" onde Chagall recorda o lugar de seu nascimento.

Canaletto
A praça de San Marcos em Veneza
c. 1723-1724 - 141,5 x 204,5 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

 
Os primeiros trabalhos da mais proeminente representante do género de vistas urbanas ou a Veneza do século XVIII. A praça mais famosa de Veneza é representada a partir de um ponto de vista alto para dar um quadro mais geral da composição. A linha horizontal na parte inferior são as fachadas de San Marco e o Palácio Ducal, em nítido contraste com a verticalidade do campanário, em ambos os lados que dão profundidade à perspectiva. A pintura de Canaletto caracteriza-se pelo rigor na execução de todos os elementos que aparecem nas suas obras, criando a atmosfera das cenas urbanas.


Jan Van Eyck
Díptico da Anunciação - c. 1433-1435
O arcanjo S.Gabriel e a virgem
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Este díptico é um dos maiores exemplos da pintura em grisalha, onde Van Eyck intencionalmente renuncia ao uso de qualquer cor primária e vê a imagem através do uso de branco e preto, criando a ilusão de um grupo escultórico. A pintura é parte de uma série de trabalhos pequenos que podem ser destinados a devoção privada. As inscrições nos quadros são muito frequentes em suas tabelas e aqui aludem ao tema do folheto, neste caso continha a primeira e última linha de um diálogo entre Maria e o Arcanjo tirada do Evangelho de Lucas. Os quadros são pintados pelo artista conseguindo um excelente trompe l'oeil.


Paul Gauguin
Mata Mua (Érase una vez)
1892 - 91 x 69 cm
Museo Thyssen-Bornemisza


Em uma paisagem idílica, cercado por montanhas, muitas mulheres gostam de Hina, a divindade da lua. Primeiro, uma mulher tocando flauta. No lado esquerdo, separados por um tronco de uma árvore de grandes dimensões que divide a composição como uma dobradiça, umas danças segundo grupo de todo o deusa. Gauguin partiu para o Taiti em 1891 com o objectivo de encontrar inspiração artística em povos primitivos, desenvolvidas fora da civilização ocidental. No entanto, o que ele descobriu que eles eram apenas restos de um passado glorioso, em seguida, em perigo de extinção. Mata Mua (Era uma vez) é uma canção original para a vida que ele desejava encontrar. Pintado em cores brilhantes e lisas, independentemente de qualquer alegação de naturalista, é uma ode à idade de ouro perdida.



Mark Rothko
Sin título (Verde sobre morado)
1961 - 258 x 229 cm
 
Apesar de Rothko estar associado ao expressionismo abstracto, as suas pinturas longe dos gestos de carga e espontâneas de seus pares. As cores, vibrantes e diluídas, aplicadas em camadas sucessivas, envolvem o público e introduzem um novo tipo de carga espacial. Na década de sessenta, as cores brilhantes e expansivas dão lugar a tons de roxo-escuro, cinza, verdes escuros, castanhos, mais introspectivas. A tabela em questão, o adjectivo "sublime abstracção" crítico Robert Rosenblum que aplicada ao seu trabalho, é revelada em toda a sua significação.


Pablo Picasso
Arlequim com espelho – 1923
100 x 81 cm
Inicialmente concebido como um auto-retrato, o Arlequim com espelho  combina vários personagens do circo e da Commedia dell'arte para o qual Picasso foi sempre fascinado e se identificava: Harlequin, com o chapéu dos picos, um acrobata de seu vestido e Pierrot pelo seu rosto, uma máscara a camuflar a identidade do artista na figura monumental de Arlequim, cujo corpo cobre a maior parte da tela, reconhecemos a nova linguagem artística inspirada nas obras dos grandes mestres clássicos como Picasso tinha começado a usar depois de sua viagem à Itália em 1917. Apesar de sua experiência italiana foi um retorno ao clássico, a sua interpretação não era literal, mas deixou a liberdade que lhe deu a sua experiência cubista anterior.



Ernst Ludwig Kirchner
Fränzi ante una silla tallada
1910 - 71 x 49,5 cm
 
O Die Brücke, grupo expressionista alemão, caracterizado pela simplificação formal e pelo uso arbitrário das cores, é um dos melhores exemplos no retrato desta menina de Dresden. Protagonista de vários retratos de Kirchner e outros artistas do grupo, Franzi está sentada numa cadeira, cujo apoio tem esculpido uma figura nua de uma mulher. Ela olha para nós com o rosto definido com base desafiadoramente antinaturalista. Grossas pinceladas de verde intenso, contrastando com o tom meaty da silhueta feminina. Demonstra a herança dos modelos pictóricos de Munch, Van Gogh e Gauguin e a arte primitiva.



Edward Hopper
Habitación de hotel
1931 - 152,4 x 165,7 cm 

Em um quarto de hotel anônimo, uma menina encontra-se na beirada de uma cama. É noite e está cansado. Ele tirou seu chapéu, roupas e sapatos, e com pouca força para descompactar, verifique o horário dos trens a serem tomadas no dia seguinte. A solidão das cidades modernas é um dos temas centrais da obra de Hopper. No quarto de hotel, a primeira parede e o armário à direita contraem o espaço, enquanto o diagonal longo do leito dirige o nosso olhar para o fundo onde uma janela aberta nos transforma em voyeurs do que acontece lá dentro. A figura feminina ninhada contrasta com a frieza da sala, que é dominado por linhas nítidas e cores brilhantes e lisas, se espalharam pela luz forte de cima.